DIOS SALVE A LA REINA

En 1969 nacía una banda inglesa, peculiar pero no tan especial como otras bandas británicas que ya se habían ganado un lugar en la historia de la música, cuando Brian May y Tim Staffell, guitarrista y cantante-bajista respectivamente, unían su talento. Luego de encontrar un baterista (Roger Taylor) para que la banda quedara completa, decidieron llamarla Smile y así buscar un poco de reconocimiento. Con unas pocas canciones bajo la manga y una disquera que estaba dispuesta a escucharlas, Smile empezó su incursión musical; pero el comienzo fue un fracaso. ¿Qué le faltaba a la banda? ¿Por qué otras bandas de ingleses triunfan tan rápido? ¿Dónde estaba el futuro de Smile? Su futuro se encontraba en el mismo edificio donde vivía Staffel, en una habitación contigua a la suya. El cantante-bajista decidió retirarse de Smile, seguramente ante el debut tan desastroso que su recién nacida banda había tenido; pero no dejaría a sus compañeros desahuciados y les recomendó a su compañero de piso, que era amante de la música y de seguro podía hacer algo (o mucho) por la agrupación. El joven, que ya había tenido una corta experiencia en otras bandas como los Ibex, que posteriormente se volverían los Wreckage, o Sour Milk Sea, de la cual fuera el líder; entraba a Smile con algo más que un nombre extraño. Se llamaba Farrokh Bulsara y venía de Tanzania. Una adquisición única para una banda inglesa, pero la mejor sin dudas. A Farrokh le decían Freddy desde la escuela y, luego que volviese su apellido un poco más comercial, estaba listo para impulsar a su nuevo grupo a límites insospechados. No contento con cambiar su apellido, sugirió cambiar también el nombre de Smile y, en 1970, nacía una banda inglesa-tanzana, peculiar y muy especial, tanto o más que otras bandas británicas que ya se habían ganado un lugar en la historia de la música: era el nacimiento de Freddy Mercury y Queen.

Al año siguiente, el bajista John Deacon se uniría a los Queen, estableciendo así la formación clásica de la banda. Ahora, con todos los elementos completos, ya podían empezar a grabar nuevo material. Con un demo de 5 canciones, fueron aceptados para grabar su primer disco en los estudios de Trident, y así lo hicieron. Luego, quien se encargaría de editar y lanzar el disco sería EMI dando como resultado su primer LP: "Queen", que vería la luz en 1973. Su debut vendría acompañado de una guitarra potente, con solos geniales, a cargo de Brian May, lo que ubicaría a este primer disco dentro del hard rock; pero junto a la virtuosidad de May, se encontraba el timbre de voz único en su especie, por parte de Freddy Mercury, quien hasta ese momento, no pasaba de ser únicamente el vocalista de Queen, un simple mortal. La voz de Mercury, junto a los coros de los demás integrantes, adelantarían lo que sería, un par de discos más adelante, el signo distintivo de este grupo: la ópera. Canciones como "Jesus" son fieles testigos de esto. Combinando fuerza instrumental y una sutil melodía vocal, los Queen elevarían aún mas al rock. Fue un buen inicio, solo eso; quizá una banda más en el mar de rockeros que ya existía; había que desarrollar más sus rasgos característicos y su siguiente álbum, llamado justamente "Queen II", se encargaría de esto. Este disco, un tanto olvidado, demuestra que Queen tenía más por ofrecer y dejan ver más claramente el aspecto operístico de su obra anterior. Con canciones enigmáticas como "The march of the black queen" o baladas como "White Queen" y "Nevermore", estos músicos se acercan cada vez más al estrellato. El siguiente álbum rozaría la cima del éxito; con el nombre "Sheer Heart Attack" y un estilo más sólido, los Queen logran su primer hit, reuniendo todas las características necesarias: una buena base rockera, las voces de ópera y un ritmo envolvente que te impide dejar la canción a medio escuchar.

Sheer Heart Attack - Queen

Este hit se llamaba "Killer Queen" y escalaría posiciones en los rankings; sobre todo en el británico, donde alcanzaría el puesto 2. Este disco representa una transición para la banda, pues, todavía en este, la simbiosis entre el hard rock y las pinceladas de ópera al estilo Queen no era perfecta. De este disco se desprende la canción "Stone Cold Crazy" que es considerada la pionera del trash metal; pero Queen no se inclinaría hacia ese estilo, por el contrario, ampliaría el terreno de su ópera rock haciendo genuino arte. Los muchachos habían tenido el primer coqueteo con el verdadero éxito y este caería rendido a sus pies con su siguiente disco: el maravilloso "A night at the opera". ¿Y qué tenía este disco de especial? Pues, el más puro estilo de Queen, a estas alturas bien definido, la amalgama muy bien lograda entre los estilos de todos los miembros, que lograban verdaderas piezas de arte, el infaltable juego de voces perfeccionado y otro pequeño detalle: tenía la mejor canción del siglo XX y, a mi parecer, la mejor canción de la historia. Se trata de "Bohemian Rhapsody", una montaña rusa de emociones que va desde la tristeza y la melancolía hasta la euforia; se puede llorar y reir al mismo tiempo con esta canción, que resume de manera excelente lo que es Queen. Freddy Mercury trabajó muy duro en esta canción, pues el productor pensaba que era muy pesada para ser transmitida por radio o para ser difundida, y no creía en ella; pero el chico tanzano no le haría caso y apostaría todo por plasmar su inspiración en dicho tema. Se dice que trabajó la canción en 3 partes separadas y llegaba al estudio, frenético, con todas las ideas y melodías que tenía en la cabeza para que sean interpretadas por sus compañeros. Ellos no tenían idea que se trataba de una sola canción pero confiaban en que Freddy sabía lo que hacía. Vaya que no se equivocaron; resultó una verdadera joya musical. Otras canciones que vale la pena destacar son: "Death on two legs" (canción que abre el disco al mejor estilo rockero de los Queen, con un riff guitarrero genial, creado inicialmente para piano por Freddy) y "The Prophet's Song" (larga pero cautivante).

A night at the opera - Queen

Ahora su estilo único ya había adquirido una madurez considerable y el art rock también. Queen estaba en la cima; el álbum llegó a ser número uno en Inglaterra y 4 en Estados Unidos, pero ellos no pararían ahí. Tras una serie de giras, los Queen entrarían nuevamente al estudio a grabar lo que sería otro gran álbum, como si fuera la continuación del "A night at the opera", este álbum se titularía "A day at the races" y tendría más temas emblemáticos como "Tie your mother down" o "Somebody to love". Siguieron con su estilo e incrementaron en gran medida su atractivo gracias a las presentaciones en vivo, donde Freddy destacaría en gran medida debido a su inagotable energía y a su vestimenta propia del glam rock. Este cantante lo entregaba todo en el escenario y eso hacía que los tickets para sus presentaciones se agotaran en menos tiempo que lo que dura un disco de los Queen. Eran imparables, y siguieron creando música. Un año más adelante, sacaron "News of the world", con los temas que se convertirían en himnos de la banda y en himnos de espectáculos deportivos e infinidad de eventos: "We are the champions" y "We will rock you". Otro año después, su séptimo disco de estudio veía la luz bajo el nombre "Jazz", el cual, a pesar del título sugerente, no era un disco de jazz, sino por el contrario, alivianaba su ya conocido estilo y, a pesar de ser un tanto criticado, regaló otro gran tema como "Don't stop me now". Probablemente este disco fue criticado precisamente por esto, por la tendencia que la banda presentaba al inclinarse hacia ritmos más pop y menos sofisticados, y, para una banda que nos ha regalado una señora canción como "Bohemian...", brindar temas más simples era un pecado. Ellos sabían que la crítica iba a ser dura pero no escatimaron mucho en esto. Su siguiente producción llegaría en 1980 y con la llegada de la nueva década, el pop calaba más hondo en la música. El álbum, de nombre "The Game" traía la fórmula conocida de balada romanticona ("Save me") y hit comercial ("Another one bites de dust") y llegó al número uno en Estados Unidos; pero el estilo de Queen se transformaba poco a poco en el de una típica banda ochentera. Los siguientes discos de Queen muestran a una agrupación que se aleja cada vez más de lo que otrora fuera uno de los más grandes exponentes del art-rock, con esa ópera entremezclada con rock y las baladas que realzaban la voz de Mercury; todo esto se estaba perdiendo. Vendría a continuación "Hot Space" con más temas pegadizos y Queen sucumbiendo ante la época; con temas poperos como "Under Pressure" (donde David Bowie unía su voz a la de Mercury) o baladas súper melosas como "Las palabras del amor", seguían recolectando éxitos a la vez que el Queen de años anteriores desaparecía progresivamente. Siguiendo su discografía, sacarían "The Works", rescatando temas como "I want to break free" o "Hammer to Fall" y deplorando otros como "Radio Ga Ga"; luego "A kind of magic", rescatando el tema del mismo nombre. ¿Qué les pasaba a los Queen? ¿Se había agotado la creatividad? ¿Y esa magia que generaban con la ópera-rock? Definitivamente Queen era otro. Yo apoyo a las bandas que se animan a innovar y a experimentar con nuevos elementos, pero Queen había cambiado totalmente su escencia y eso es imperdonable. La genialidad de estos músicos se estaba apagando y Freddy ya no componía las magistrales canciones de antaño. ¿Qué pasaba con él? Vendrían más discos, pero esta vez si tenían algo de diferente. Esta diferencia era nefasta y ni el peor de los temas jamás escritos ni la metida de pata más grave merecerían un desenlace como el que el personaje más pintoresco de Queen tendría. El siguiente disco sería "The Miracle" y traería una canción que recordaría ese rock que Queen ofrecía, aunque sin la combinación de voces que le imprimían su peculiar característica.
El tema era "I want it all" y tenía toda la fuerza que se había extraviado en medio de tanto ritmo funkie y pop. La carátula del disco muestra a los integrantes de la banda, unidos como si fueran uno solo; como respondiendo a la crítica y afirmando que Queen no estaba perdido, que seguían siendo la fuerza musical de siempre. Pero una de esos rostros se borraría. Para este entonces, los rumores acerca de que Mercury era portador de VIH adquirían más fuerza, así como las negativas por parte de este. Sin embargo, todo era cierto; la diferencia en este disco y quizá motivo de esa fuerza, era el presentimiento que la banda tenía acerca de la enfermedad de su vocalista. El tiempo se acababa y Queen no dejaría las cosas como estaban. El último disco que se sacaría con Freddy aún en este mundo sería "Innuendo"; un disco cargado de emotividad que, si se escucha teniendo en mente lo que Mercury sentía al grabar sus temas, es inevitable soltar unas lágrimas. Era Farrokh Bulsara diciéndole adiós a la música, a sus compañeros, a la gente que los seguía religiosamente; era su tristeza, la impotencia de ver como sus días se apagan poco a poco, sus deseos de continuar; todo eso expresado en cada una de las notas que salían de él, como si cada una de ellas fuera un intento por aferrarse un instante más a la vida. Un disco en el cual el útlimo aliento de Freddy nos traían temas potentes como el que le da el nombre al disco o el que cierra el mismo, "The show must go on", en el que se despide con broche de oro y nos dice que el show debe continuar.

Innuendo - Queen

Pero sin él, no sería lo mismo; sin él no habría show. Recordar a Queen puede traer sinsabores y resentimiento por haber variado su estilo y privarnos de esos temazos como "Killer Queen" que llegó a ser un hit cuando la presión de otros ritmos no hicieron mella en ellos; pero vale más recordarlos por lo bueno que nos dejaron y por hacer de la música su estilo de vida. Luego de la muerte de Freddy se editaría un disco más, "Made in heaven", con canciones recicladas de sesiones de grabación anteriores o del álbum solista de este; pero la historia de Queen ya estaba escrita y los restantes miembros lo pensaron así. Queen pasaba a la historia.

KEEP YOURSELF ALIVE


TEMA DE SU PRIMERA PRODUCCIÓN, QUEEN. UN TEMA CARGADO DE BUEN ROCK Y FUERZA EN EL ESCENARIO, AUNQUE EL ESTILO OPERÍSTICO DE LA BANDA NO ESTE DEFINIDO TODAVÍA. UN BUEN COMIENZO.

OGRE BATTLE


MÁS ROCK DE LO QUEEN EN SUS INICIOS; EN CIERTOS MOMENTOS DE LA CANCIÓN SE PUEDE APRECIAR ESOS COROS QUE CARACTERIZARÍAN SU OBRA POSTERIOR. QUEEN IBA ADQUIRIENDO SOLIDEZ EN ESTE SEGUNDO DISCO Y VENÍA LO MEJOR.

KILLER QUEEN


QUÉ GENIAL CANCIÓN! SU PRIMER GRAN ÉXITO MUY BIEN LOGRADO EN SU ASCENSO HACIA EL ÉXITO MASIVO. SOLO UN DISCO MÁS, QUEEN, Y HABRÁN LLEGADO!

BOHEMIAN RHAPSODY


EL ARTE HECHO CANCIÓN. LA MEJOR CANCIÓN DE QUEEN, LA MEJOR CANCIÓN DEL SIGLO XX, LA MEJOR CANCIÓN DE LA HISTORIA; PARA QUÉ MÁS PRESENTACIÓN! ESTE ES EL VERDADERO QUEEN EN SU MÁXIMA EXPRESIÓN.

THE PROPHET'S SONG


EL MÁS PURO ESTILO DE QUEEN EN OTRO EXCELENTE TEMA QUE ATRAPA DE PRINCIPIO A FIN. UNO DE LOS MEJORES DE "A NIGHT AT THE OPERA".

SOMEBODY TO LOVE


LA ÓPERA ROCK SE HACE PRESENTE EN ESTA COMPOSICIÓN DEL GENIAL FREDDY MERCURY. CANCIÓN TRAS CANCIÓN, ÉXITO TRAS ÉXITO; CON UN FUERTE ROCK O ALGO MÁS SUTIL COMO SOMEBODY TO LOVE, QUEEN ES INCOMPARABLE.

WE WILL ROCK YOU


LA 1000 VECES COREADA EN ESTADIOS. CON 2 MINUTOS, ESTA OBRA DE BRIAN MAY NOS DEMUESTRA QUE QUEEN ESTÁ EN LA CIMA.

DON'T STOP ME NOW


GENIAL TEMA DE SU DISCO JAZZ, QUE MUESTRA A UN FREDDY MERCURY Y COMPAÑÍA CON OTRO LOOK, COMO ANTICIPANDO LO QUE SERÁ SU TRANSFORMACIÓN OCHENTERA. UN BUEN TEMA PARA SER DISFRUTADO.

CRAZY LITTLE THING CALLED LOVE


TEMA QUE SE DESPRENDE DE SU ÁLBUM THE GAME, QUE YA INCLUÍA UN CAMBIO DE QUEEN, DEJANDO ATRÁS ESA ÓPERA ROCK QUE TANTO SE EXTRAÑABA.

UNDER PRESSURE


UN POP A CARGO DE QUEEN Y DAVID BOWIE. TEMA QUE DECIDIÓ SER GRABADO ESPONTÁNEAMENTE EN UNA SERIE DE REUNIONES ENTRE LOS DOS MÚSICOS. SEGÚN MERCURY, LOS DÚOS CON OTROS ARTISTAS TENÍAN QUE SURGIR ASÍ, NADA PLANEADO, O NO SALDRÍAN BIEN. CON UN QUEEN MUTADO POR LA ÉPOCA, TENEMOS UN POP BIEN TRABAJADO POR ESTOS 2 GENIALES ARTISTAS.

SHOW MUST GO ON


TEMA DE SU ÁLBUM INNUENDO, DONDE FREDDY SE DESPEDÍA CON UN TEMA MUY CARGADO DE EMOTIVIDAD Y LA FRASE: "EL SHOW DEBE CONTINUAR". EL FINAL ESTABA CERCA.


"el show debe continuar
el show debe continuar, sí
Dentro, mi corazón se está quebrando
mi maquillaje se puede estar descascarando
pero mi sonrisa todavía permanece"



Sí, Freddy; tu sonrisa sigue dibujada en tu rostro allá donde quiera que estés, viendo todo lo que lograste, satisfecho por todo lo que nos regalaste, satisfecho porque cada gota de sudor que dejaste en el escenario ha quedado grabada indeleblemente en él; porque hasta el último momento, cuando ya casi no te quedaban fuerzas, tu seguiste transpirando música. Tu vida era la música y tú amabas la música. Tú amabas la vida. Tú lo entregabas todo o nada; no hay medias tintas y quizá por eso ocultaste tu enfermedad, porque sabías que te haría ver vulnerable y tu tenías que dejarlo todo en el escenario. Decidiste callarlo y tomarte un descanso; pero tus fanáticos sabían que ese no era el Freddy de siempre. No podías seguir engañándolos y decidiste hablarles:

"Respondiendo a las informaciones y conjeturas que sobre mí han aparecido en la prensa desde hace 2 semanas, deseo confirmar que he dado positivo en las pruebas del virus y que tengo SIDA. He procurado mantener oculta esta información para proteger mi vida y la de quienes me rodean, pero el tiempo de que mis amigos y fans se enteren de la verdad, ha llegado, y tengo la esperanza que todos se unirán conmigo, mis doctores y todos aquellos alrededor del mundo que luchan contra esta terrible enfermedad".

f
Nisiquiera en tu mensaje te dabas por vencido. Pensabas encontrar la cura a esa maldición para seguir brindándonos tu arte; pero esta nunca llegó. Le imprimías tanta emoción a tu música que nadie concebía un Freddy recluido en su casa y los rumores, que durante tanto tiempo flotaban en el aire, fueron confirmados por ti. No podías irte de este mundo sin decir la verdad; sería un peso muy fuerte y, tras liberarte de este, ya estabas listo para partir. Al día siguiente, te hacías una pregunta: ¿Who wants to live forever? y, tras responderla, emprendiste tu viaje. Tú vivirías por siempre. Freddy Mercury murió el 24 de noviembre de 1991 pero su música nunca lo hará.

"Si no estoy aquí mañana
continúa, continúa
como si nada importara de verdad"

QEPD Freddy, porque solo los buenos mueren jóvenes.

El ASCENSO Y SOLO ASCENSO DEL ART ROCK Y EL HOMBRE DE MARTE

Era un día como cualquier otro para los habitantes del condado de Kent, Londres, pero para uno de ellos sería especial. El joven David Bowie era herido en el ojo izquierdo por uno de sus compañeros de estudio, quedando con una pérdida de la percepción de profundidad y con daños irreparables en su pupila: una parálisis y la dilatación permanente de esta. Un accidente lamentable para muchos. Para Bowie no tanto así. La pupila dilatada daría el aspecto de una coloración diferente de su ojo, convirtiéndose en una de sus características más llamativas que formarían parte esencial de su look (o de todos sus looks) salido de otro planeta. En un pequeño pueblo de Inglaterra, el muchacho de los ojos bicolor sufría por la herida, sin saber que años más tarde se convertiría en uno de los más grandes íconos del art rock.

David Bowie aprendió a tocar el saxofón a los 13 años y esto le sirvió para formar parte de varios grupos de rythm & blues de la época, ganando experiencia para lo que después sería su propia carrera, como solista. Desde los inicios de su carrera, este loco artista demostró una creatividad excepcional, influenciada en gran medida por una banda que llamó su atención: The Velvet Underground. La explosión de ingenio que los estadounidenses demostraban desde su álbum debut, así como en sus presentaciones en vivo, motivó a Bowie para hacer algo por y para su pasión más grande: la música. Algo que, si bien influenciado por bandas atrevidas como la ya antes mencionada o los grandiosos Pink Floyd, lleve su esencia, para que, al ser escuchado, uno diga sin vacilación: "ese es David Bowie". De esta manera lanza su primer LP y, cual padre orgulloso de su hijo, le puso su nombre. Este primer disco no sería el gran éxito que Bowie buscaba, pero no tardaría en llegar. Su segundo álbum, "Space Oddity", traería consigo un tema homónimo que hizo que la gente dirigiese sus ojos al joven que tenía los suyos de colores diferentes.
La canción narra la historia del astronauta Major Tom que, en plena misión, decide quedarse en el espacio, deprimido, pues se da cuenta que las cosas son diferentes a como él las creía. Este tema sería su primer gran éxito, junto al álbum que estaba inspirado en la película de Stanley Kubrick "2001: una odisea espacial". Bowie, siempre atraído por temas extraterrestres, no resistiría la tentación de extender una obra de arte como lo es esta película a su terreno musical, y vaya que logró un buen resultado. Pero las odiseas espaciales y lo extraterrestre no acabarían ahí. Luego, vendrían un par de discos buenos, donde Bowie empezaría a mostrar lo camaleónico que era, al mutar de un estilo un tanto psicodélico predominante en su "Space Oddity" a un estilo más hard en su siguiente disco de estudio "The Man Who Sold the World" que incluía la canción del mismo nombre que años más adelante sería covereada por otro grande del rock: Kurt Cobain. Hace un tiempo, yo no sabía que la canción era de David Bowie y juraba que era creación de Cobain y desde la primera vez que la escuché, me gustó bastante. Actualmente, con algo más de cultura musical, he escuchado las 2 versiones y, con toda sinceridad, me quedo con la de Bowie; no por que la de Cobain sea mala, sino porque la de Bowie es genial. Pero lo mejor estaba por venir. Luego, Bowie alivianaría nuevamente su estilo para entregarnos otra pieza maestra con temas relajantes e inspiradores: "Hunky Dory", disco en que las letras desempeñan un papel fundamental, dejando entrever lo literario dentro de la obra del artista inglés y recibiendo buenas críticas por ello. "Changes", la canción que abre el disco, pregona el estilo que Bowie seguiría fielmente: el cambio. Es por esto que se le llama el "Camaleón del rock". Este álbum no solo sería bueno por las composiciones de este músico, sino también por el aporte de otros que luego formarían el grupo que Bowie lideraría, ya no como David Bowie, sino como Ziggy Stardust, uno de sus impredecibles "alter-egos". Bowie había cosechado apreciables éxitos en su incipiente carrera, pero, obviamente, no era todo lo que podía hacer. Y vaya que demostraría su gran capacidad inventiva e, por primera vez para él, histriónica.

Bowie daría vida a un personaje que ganaría tanta fama como él; era el nacimiento de Ziggy Stardust: una estrella de rock marciana y andrógina que venía a la Tierra para anunciar la destrucción de esta, advirtiendo a sus habitantes y proponiéndoles como única salvación recibir su rock; su arte. Pero este extraterrestre se dejaría poseer por la fama que ganaría en su misión salvadora, olvidándose de esta por completo y dejándose llevar por la vida bohemia propia de un "rock & roll star"; solo para darse cuenta al final que había cometido un grave error.


Este álbum conceptual, que llevaba como título "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars", finalmente haría de Bowie la megaestrella rockera que merecía ser, sorprendiendo a sus seguidores, y a los que no lo eran, con su facilidad para mutar y esa mente llena de potencial para convertir en arte todo lo que él se proponía realizar.


Ni qué decir de sus presentaciones en vivo, donde Bowie se ponía la piel de Ziggy Stardust, maquillándose y portando una indumentaria nunca antes vista en un rockero. Un personaje muy bien producido que traía consigo otra corriente del rock: el glam; dando así otro paso en la evolución del género.

El rock, que tenía experimentalidad gracias a The Velvet Underground y óperas rock cual obras teatrales gracias a Pink Floyd, ahora tenía también actores sofisticados para dichas obras. Pero, ¿quiénes eran los Spiders from Mars? El marciano no venía solo; había traído consigo a un grupo de geniales músicos que formarían su banda temporal "The Spiders from Mars" que fueron los actores secundarios, pero fundamentales, en el show de Ziggy. Con el tiempo, la fama de este personaje consumiría a Bowie; las demandantes giras y los elaborados conciertos lo desgastaban cada vez más, y es así que decidió eliminarlo; pero Ziggy se iría de este mundo terrícola como los grandes. Una de las últimas obras donde aparece el alter-ego de Bowie es en su siguiente disco de estudio: Aladdin Sane, otra gran obra donde Bowie incluiría nuevos elementos recogidos de una gira a los Estados Unidos. Muy bien recibida por la crítica de la época y, desde mi punto de vista, el único disco que le hace la competencia a "The Rise and Fall of Ziggy Stardust...", con canciones elaboradas y distintas, como si Bowie se aburriera de dar siempre lo mismo. Y es gracias a su aburrimiento que muchos hemos dejado de aburrirnos. De esta manera, Ziggy había tenido un gran ascenso y ahora había iniciado el momento de la caída; que culminaría tras un par de álbumes más: "Pinups" (que era una serie de covers de artistas influyentes como Pink Floyd o The Who) y "Diamond Dogs" (homenaje que Bowie quizo rendir a la obra de George Orwell, 1984), un álbum de corte lirical político donde se puede apreciar en la portada a Ziggy; la última portada donde aparecería. Bowie había sido exorcizado de su otro yo y Ziggy había abandonado nuestro planeta, marcando una gran época y representando una gran influencia para la música. Pero el camaleón del rock, fiel a su apodo, continuaría su transformación.

Como si fuera una esponja, Bowie absorbía elementos de todas partes para incluirlos a su música y, esta vez, los elementos culturales y musicales americanos se fusionaron con su facilidad por reinventarse, creando así otro alter-ego: El Duque Blanco; un personaje opuesto a Ziggy, elegantemente vestido y formal.

Luego del lanzamiento de su álbum Young Americans, de un corte más soul, la droga llamaría la atención del músico inglés y marcaría la personalidad de su nuevo alter-ego. Durante esta etapa sacaría nuevos discos, experimentando con nuevos ritmos y haciendo gala del eclecticismo que lo caracteriza; por ejemplo, "Station to Station", siguiendo con el tono soul e incluyendo también toques eléctronicos que eran inspirados por bandas alemanas o la trilogía de Berlín (llamada así por que la influencia de estas bandas se incrementó) "Low", "Heroes" y "Lodger", donde se animaría a sacar su lado más experimental, incluyendo piezas instrumentales y oscuras (Low), piezas experimentales pero positivas (Heroes) o más accesibles y comerciales (Lodger); pero el Duque Blanco no sería aniquilado así de pronto como Ziggy Stardust; nunca llegó a morir, algo de él permanece en Bowie como si se hubieran fusionado. Luego, Bowie experimentaría con un espectro muy amplio de estilos como el techno, la electrónica, el dance, el new wave, etc, además de su rock y pop de siempre, obsequiando más y más música hasta nuestros días. Bowie es una leyenda viva y una fuente de inagotable creatividad, solo él puede reinventarse y adaptarse a todo entorno que lo rodee; a cualquier ritmo que se le cruce en el camino él le coloca su sello personal; creando personajes, inventando historias, haciendo arte. Grande, Bowie!

SPACE ODDITY


PRIMER GRAN SUCESO DE DAVID BOWIE. AUNQUE LA LETRA HABLE DE UN ASTRONAUTA DEPRIMIDO EN EL ESPACIO, RAZÓN POR LA CUAL DECIDE QUEDARSE AHÍ, EL VIDEO SUGIERE QUE LA DEPRESIÓN TENÍA FORMA DE MUJER! JEJE


THE MAN WHO SOLD THE WORLD


ESTUPENDA CANCIÓN DE BOWIE QUE ADQUIRIÓ GRAN FAMA GRACIAS AL COVER DE NIRVANA. PERTENECIENTE A SU TERCER ÁLBUM CANTADO POR UN BOWIE MÁS CONTEMPORÁNEO, CON LA FUERZA INTERPRETATIVA INTACTA.


LIFE ON MARS


MOSTRANDO LO CAMALEÓNICO DE SU ESTILO, BOWIE NOS OFRECE UNA CANCIÓN LENTA Y BALADESCA PROVENIENTE DE SU ÁLBUM HUNKY DORY, LUEGO DE HABER ROCKEADO CON SU ÁLBUM PREVIO. VIDEO QUE CORRESPONDE A SU PRESENTACIÓN EN EL FASHION ROCKS DEL 2005. UN PLACER PARA LOS OÍDOS.


MOONAGE DAYDREAM


EXCELENTE CANCIÓN DE SU OBRA MÁS ACLAMADA: THE RISE AND FALL OF ZIGGY STARDUST AND THE SPIDERS FROM MARS. ZIGGY LE DICE A LA HUMANIDAD QUE ÉL HA VENIDO A SALVARLOS Y QUE LO SIGAN EN SU MISIÓN, Y, POR LO VISTO, MUCHAS FANÁTICAS LE HACEN CASO SIN IMPORTARLES SU APARIENCIA FEMENINA. JUNTO A SUS ARAÑAS DE MARTE, BOWIE NOS ENTREGA ROCK A SU MEJOR ESTILO.


ZIGGY STARDUST


UNA DE SUS CANCIONES MÁS CONOCIDAS. ZIGGY CUENTA SU HISTORIA JUNTO A SU BANDA Y CÓMO ESTOS SON ATRAPADOS POR EL ESTILO DE LA VIDA ROCKERA. OTRA PIEZA MAESTRA DE BOWIE.


SUFFRAGETTE CITY


MI CANCIÓN FAVORITA. EXPLOSIÓN DE ROCK A CARGO DE ZIGGY STARDUST, UNA CANCIÓN QUE NOS SIGUE MOSTRANDO LA FACILIDAD QUE TIENE BOWIE PARA CAMBIAR SIN DEJAR DE HACER BUENA MÚSICA. NO PUEDO EVITAR CANTARLA CADA VEZ QUE LA ESCUCHO!


ALADDIN SANE


DE SU DISCO HOMÓNIMO; BOWIE NOS REGALA OTRA GRAN CANCIÓN, YA SIN ZIGGY A SU LADO. DE SU TOUR DIAMOND DOGS Y EN CAMINO A CONVERTIRSE EN EL DUQUE BLANCO, ACÁ ESTÁ ALADDIN SANE.


JUMP THEY SAY


CANCIÓN PERTENECIENTE A SU DISCO BLACK TIE WHITE NOISE DEL AÑO 1993, MUESTRA A UN BOWIE USANDO NUEVOS RITMOS COMO EL NEW WAVE Y CON UN ESTILO MÁS ELECTRÓNICO Y DIGERIBLE. CANCIÓN DEDICADA A SU MEDIO HERMANO QUE SUFRÍA DE ESQUIZOFRENIA Y QUE TERMINÓ POR SUICIDARSE.


LITTLE WONDER


TEMA INCLUIDO EN SU DISCO EARTHLING Y QUE SORPRENDE POR LA INAGOTABLE CAPACIDAD CREATIVA DE BOWIE. CON ALGO MÁS DE ROCK Y CON LA TECNOLOGÍA AVANZANDO, BOWIE TIENE MÁS OPCIONES PARA CREAR UN VIDEO TAN EXTRATERRESTE COMO LO ES ÉL, DEJANDO CLARO QUE SU INVENTIVA SE INCREMENTA CON EL PASO DE LOS AÑOS. SEGURO MUCHOS SE PREGUNTARÁN CÓMO UN ARTISTA QUE CAMBIA TANTO DE ESTILO PUEDE SEGUIR OFRECIENDO BUENA MÚSICA; YO LES SUGERIRÍAN QUE VEAN ESTE VIDEO.

LLEGÓ EL HOMBRE DEL ESPACIO

Haciendo un corto paréntesis en medio del megapost sobre Art Rock, no puedo dejar pasar la oportunidad de colgarles el recién salido video de los Killers.

Se trata del video correspondiente al tema Spaceman, que habría sido lanzado el pasado año como parte de su tercer disco, el polémico Day & Age. El video está dirigido por Ray Tintori, director de 3 videos de la banda electrónica MGMT. Con un estilo peculiar, criticado por algunos, este director, junto a los miembros de The Killers, nos muestran un espectáculo lleno de color y de alegría, con vistosos trajes y un escenario colosal.

La letra de la canción relata la historia de un joven que es abducido por un hombre del espacio y compañía. El joven, deseoso de dejar el mundo en el que vive, seguramente porque no le ha entregado nada bueno, se da cuenta, tras ciertos experimentos realizados por los seres espaciales, que todas esas ideas de que el mundo no vale nada están en la mente de cada uno y que es mejor aprovechar la vida sin lamentarse por los problemas. Según mi interpretación, en el video se puede observar a Brandon Flowers como el joven que, tras el encuentro cercano del tercer tipo, abre los ojos y decide disfrutar su vida junto a los extraterrestres, pues ellos le han hecho entender que uno se hace ideas falsas y crea sus propios problemas, cuando lo que se debería hacer es mirar el lado positivo de las cosas. "The spaceman says everybody look down, it's all in your mind". "El hombre del espacio dice que todos estan cabizbajos, todo está en tu mente". Como si fuera una suerte de catarsis, esta letra que suena un poco extravagante tiene como finalidad el hacernos entender que nosotros somos los que permitimos que nuestros problemas se agranden y nos atormenten y, para que nosotros seamos capaces de entender esto, hace falta que alguien ajeno a nuestra realidad nos lo eche en cara.

El video, a mi parecer, reproduce la idea central de la letra de la canción, con un carnaval de seres jubilosos que disfrutan su vida, mientras los humanos se acaban la suya. Espero disfruten el video como un preludio a otro personaje del art rock que, cuando de extraterrestres y espacio se trata, su apariencia, estilo y nombre saltan a la memoria. Siguiente personaje en el megapost de art rock: David Bowie.

HACIENDO ARTE EN EL LADO OSCURO DE LA LUNA

Si bien The Velvet Underground se convirtió en banda de culto al romper las barreras de la música, un año después, su equivalente inglés entraba a la escena. Era el nacimiento de Pink Floyd, una de las bandas más grandes de la historia; una banda única que, si bien surgió paralelamente a los Velvet, alcanzó un éxito inigualable y dejó un legado de importancia vital para todo músico.

Formado inicialmente por Nick Mason, Bob Klose, Richard Wright, Roger Waters y Chris Dennis; aunque la formación principal de la banda sería sin este último ni Klose. Reemplazando a Dennis entraría un personaje que le daría el empujón inicial para hacerse de un lugar en la industria. Se trataba de Syd Barrett, quien se convertiría en el principal compositor y el eje de la agrupación en sus inicios. Una mente llena de intenciones e ideas que transmitiría a sus canciones. Junto a él, Pink Floyd se sumergiría en un universo de experimentación. Quizá, el decir que fueron equivalentes a The Velvet Underground fue un poco apresurado, pues, la equivalencia a la que me refería no va más allá del ímpetu que ambas agrupaciones tenían por darle a la música algo innovador; lo que en verdad se merecía. Por lo demás, me atrevo a decir que los Floyd lograron canalizar mucho mejor toda esa fuerza creativa que se podía saborear en la carrera de los Velvet. Se formaron en 1965, tan solo un año después de la banda antes mencionada y tal parece que ese año marcó la diferencia. Dicen que todo tiene su momento y quizá por eso los Velvet fueron primero que Floyd; como una especie de antesala a la genialidad. Desde temprano, estos virtuosos ingleses consiguieron éxito; desde su disco debut "The Piper at the gates of Dawn" lograron escalar hasta lo alto de las listas británicas, mostrando su psicodelia e ingenio, gran parte del cual provenía del jóven Barrett.


Este "diamante loco", como lo apodaban sus compañeros, se opacó al poco tiempo debido a su adicción. Era LSD, la droga de la psicodelia por excelencia, y esas ansias de experimentar se trasladaron de la música a este ámbito. Su lucidez como músico se fue consumiendo lentamente, desembocando en su salida de la banda. De verdad que duele todo el daño que causan las drogas, pero duele más aún cuando ese daño se le ocasiona a una mente brillante. Luego de sacar un par de discos, murió musicalmente y el brillo del diamante se agotó. Barrett murió el 7 de julio de 2006 en Cambridge. Pero Pink Floyd seguiría sin él. Tras una serie de discos notables, entre los que destaco Meddle, llegaría la gloria.


Esta tenía como nombre "The Dark Side of the Moon" y se convirtió rápidamente en todo un éxito. Catalogado como el cuadragésimo tercer mejor álbum de todos los tiempos por la revista Rolling Stone, el décimo por la revista Q y, personalmente, uno de los cinco primeros. Grandes temas como "Time" o "Money", describían las tensiones que los seres humanos enfrentamos día a día. Un álbum que nos hacía reflexionar sobre nuestra vida, pero desde el arte que un grupo de músicos podía crear. Pink Floyd tendría un trepidante ascenso a partir de este álbum y los rankings dieron fe de ello. Discos como"Wish you were here", donde remembraban a Barrett, o la magistral "The Wall", donde, principalmente, Roger Waters tendría su clímax de inspiración, traspasando el lado musical e incluyendo lo teatral en espectáculos sofisticados pero llenos de significado. Waters revelaba sus demonios internos y sentía como estos lo asislaban del mundo. Ese resentimiento producto de los golpes que le dio la vida y la montaña rusa de emociones que representaba ser una estrella del rock lo golpearon y, lo demostró en el ambicioso proyecto de construir un muro que lo separara de su público, en pleno concierto, dejando ver como se sentía.


TEMA "THE TRIAL", EXCEPCIONAL MUESTRA DE LA TEATRALIDAD DE LOS FLOYD CON TODO UN ESPECTÁCULO DE PROYECCIONES SOBRE EL MURO, EL CUAL SE PUEDE APRECIAR EN EL PRECISO INSTANTE EN QUE ESTÁ CAYENDO, AL FINAL DEL CONCIERTO.

Lo que vendría después serían más discos, pero esta vez acompañados de problemas. Problemas que terminarían por sacar de la banda a otro genio. Waters anunciaba su renuncia. Más problemas, ahora no solo interpersonales, también entraba en juego los derechos de la banda. ¿Debería seguir llamándose Pink Floyd una agrupación que había perdido parte fundamental de su constitución? La justicia dijo que sí. El resto de la historia de la banda inglesa es una sucesión de álbumes buenos, pero no imprescindibles.

Definitivamente, al hablar de Pink Floyd, la imagen del fenómeno de dispersión de la luz presente en la portada de "The Dark Side of the Moon" viene a la mente, el rostro de Barrett, el muro que aislaba a la banda en sus conciertos, el globo de cerdo sobrevolando el cielo, sus admirables discos con sus largas canciones, unidas todas para formar una sola. Los Floyd le dieron el peso necesario al Art Rock como músicos y artistas que nacieron para serlo, para entregarse de lleno a su inspiración. El género les debe mucho.

Acá les dejo una selección de temas notables. Ojo, si no conoces mucho de Pink Floyd y esperas temas cortos y simples, te recomiendo que no veas los videos; ya que varios tienen una duración moderada y hay que saber disfrutarlos, sin cortarlos a la mitad o viendo solo una parte. Solo así se aprecia una canción de estos grandes del art rock.

SEE EMILY PLAY


SEGUNDO SENCILLO DE LA BANDA DONDE SE NOTA CON CLARIDAD EL ESTILO PSICODÉLICO QUE SYD BARRETT LE IMPRIMÍA A LAS CANCIONES. EL VIDEO ES EL ORIGINAL (DE AHI LA CALIDAD UN TANTO DETERIORADA) Y MUESTRA UNA CREATIVIDAD QUE HACE DE ESTE UN VIDEO MUY DIVERTIDO A PESAR DE SER SIMPLE.


ASTRONOMY DOMINE


CANCIÓN PERTENECIENTE A SU ALBUM DEBUT "THE PIPER AT THE GATES OF DAWN" QUE MUESTRA LA EXPERIMENTALIDAD DE LA BANDA DESDE MUY TEMPRANO. COMO SI SE HUBIESEN ADELANTADO A SU TIEMPO, PINK FLOYD HACE MAGIA EN CADA TEMA, EXPLOTANDO AL MÁXIMO LOS INSTRUMENTOS Y LOS ARREGLOS QUE, SIN SER DESBORDANTES, REALZAN MUCHO CADA OBRA.


MONEY


MI TEMA FAVORITO. UNA BUENA BASE DE BAJO EN MANOS DEL PRODIGIOSO ROGER WATERS Y EL ESTILO MÁS ROCKERO DE LA BANDA EN CONJUNTO QUE LE DAN UNA CACHETADA A LA SOCIEDAD MATERIALISTA, EVIDENCIANDO EL PODER CORRUPTOR DEL DINERO. SIMPLEMENTE GENIAL.


TIME


OTRO DE LOS GRANDES TEMAS DE SU ALABADO "THE DARK SIDE OF THE MOON" QUE HABLA DEL TIEMPO QUE CADA VEZ ACORTA MÁS NUESTRAS VIDAS. EL INTRO ES UNA COMBINACIÓN DE RELOJES Y ALARMAS QUE ANTICIPA LO QUE SERÁ UNA MUY BUENA CANCIÓN.


COMFORTABLY NUMB


DE SU OBRA MAESTRA "THE WALL", WATERS SE DESAHOGA DE LOS TRAUMAS QUE LO AQUEJARON A LO LARGO DE SU VIDA, EN ESTE CASO, DE SU NIÑEZ Y LO RECREA AL LADO DE GILMOUR EN UNA OBRA MAGNÍFICA QUE, JUNTO A UN EXTRACTO DEL VIDEO CREADO PARA EL DISCO, CONFORMAN UN VERDADERO PLACER QUE TE DEJARÁ CÓMODAMENTE ADORMECIDO.


ANOTHER BRICK IN THE WALL


EL YA CLÁSICO TEMA QUE NO NECESITA DE PRESENTACIÓN, EXPLOSIVO Y LLENO DE FUERZA, ESTA VEZ HACIENDO UN REPROCHE A LA EDUCACIÓN DE ESA ÉPOCA.

ART ROCK: EL ROCK A OTRO NIVEL

Me aventuro y me arriesgo a la vez al hablar de este subgénero del rock que no es nada fácil de definir, ya que, como su mismo nombre lo indica, la música generada en dicha corriente es más que eso, más que simples notas tocadas unas tras de otras. Es una etapa donde el rock evoluciona y está en proceso de formar su personalidad dentro del ambiente musical, de mantener ese peso que ya estaba ganando luego de que el blues le diera la vida. La experimentación había llegado y, junto a ella, las ganas de que el rock adquiera vida propia; cual pintor que plasma sus emociones en un lienzo o cual escultor que le da un alma a simple arcilla, los músicos de esta etapa eran artistas y plasmaban su interior en su obra, pintándola, esculpiéndola, fusionándose con la literatura para ganar esa contundencia en las letras. Como el arte se interpreta y se siente, no es fácil definirlo, pero tampoco es necesario. El principal motivo por el cual he decidido hacer un megapost acerca de art-rock, es para rendirle un homenaje a esos artistas que han marcado mi vida, no con la finalidad de establecer el verdadero significado del término art-rock ni pretender que mi interpretación del mismo sea la correcta para todos. Solo deseo dar a conocer mi admiración por estos músicos que hacen despertar mis oídos y que hacen volcar mis sentimientos con una canción; personas que se atreven a dar algo más por la música y a seguir sus propias convicciones, a pesar de lo adverso que pueda ser el contexto. Habrán varios que no conciban a los cuadros de Picasso o a las poesías de Neruda como arte, y está muy bien, pero los artistas no viven para que la gente los ame; solo expresan lo que llevan por dentro y no se rinden por más rechazo que sus obras puedan recibir. ¿Pero algo de cierto tendrá lo que digo, no? Pues, a lo largo de este megapost te darás cuenta. Yo no puedo llamar a lo que hacen estos músicos otra cosa que no sea arte y me atengo a las reacciones que pueda generar. No, no; acá no encontrarás estribillos pegajosos ni convencionalidad; seguramente tendrás que escuchar alguna canción más de una vez para encontrar el verdadero significado de cómo una canción así puede ser creada por alguien; ¿cuál era la intención de la banda al crear algo así? Tratar de entregarle a la música algo que viva por siempre y que nazca de la genuina inspiración, no de una imposición ni del deseo de lucro. Eso es el Art Rock. Usado como sinónimo de rock progresivo o de rock experimental; sean lo mismo o no, sean unos influencias de otros, de la forma en que lo quieras ver, el Art Rock existe para hacer arte. Solo eso.


EL NACIMIENTO DEL ART ROCK

Si hablamos de Art Rock definitivamente nos remontaremos a los años 60's, donde surge una de las mayores influencias para las bandas rockeras que a la postre surgirían. Se trata de The Velvet Underground, banda estadounidense que fuera la pionera en experimentar con la música.

Creada en 1964 cuando Lou Reed conociera a John Cale y juntos reclutaran a un ejército de excéntricos músicos para marcar un hito en la historia del rock. Tras un par de "tocadas", en donde mostraron su oposición a la normalidad de la época, el artista Andy Warhol tiene la oportunidad de verlos en escena. Warhol reconoció la originalidad y la experimentalidad en los Velvet, cosa que, naturalmente, lo atrajo y decidió apostar por ellos en un momento en que nadie lo hubiera hecho. La vena artística de Warhol le hizo ver más allá de lo que ningún otro lo hizo. Entre locos se entienden, dicen. Es así que Warhol se vuelve el mánager de la banda. Se convierte en el mecenas. Insta a los Velvet a que incluyeran a la cantante y modelo Nico en la banda y ellos acceden a regañadientes, para luego empezar a trabajar en su primer disco, sin saber que se convertiría en una de las piezas clave del rock. Y dieron a luz a su promogénito: The Velvet Underground & Nico; ópera prima que muchos consideran el mejor álbum debut de todos los tiempos, aunque en ese entonces nadie lo vio así.
Luego de este disco, The Velvet Underground irían agonizando lentamente hasta que, finalmente, en 1973 se disuelven. Un disco incomprendido en su tiempo, loado en la actualidad; considerado uno de los 100 mejores discos de los últimos 50 años por la revista Time; el septuagésimo primer mejor álbum de todos los tiempos según la revista británica Q y el decimotercer mejor disco de la historia por la Rolling Stone. Otros conocedores y amantes del rock consideran que debería estar en el primero o al menos entre los cinco primeros. Un tanto exagerado a mi parecer. Personalmente, este álbum no me parece una excelencia y admito que tuve que parar la última canción "European Son" pues mis oídos estaban colmados. ¿Será que mi capacidad de entendimiento musical es tan estrecha como para apreciar como se debe este disco? Quizás sí, pero no me puedo poner tan exquisito, ya que se trata del nacimiento de una vertiente del rock a la que le falta pulir varios aspectos y, además, tiene canciones muy rescatables como "I'm Waiting for the Man" o "There she goes again". Pero algo que sí es cierto es que este disco representó la inspiración que muchos músicos aún ocultos necesitaban para dar el siguiente paso. Una obra que sin ser genial en su constitución sirvió como bisagra para marcar un antes y después. Sonidos estridentes y hasta un poco desordenados, letras que hablan de tabúes en ese entonces pero que no mienten, la explosión de experimentación en carne viva. Derrepente otras bandas hubieran podido plasmar de mejor manera la desenfrenada carga de creatividad que The Velvet Underground se animó a mostrar, pero nadie lo hizo; ellos fueron los que se atrevieron y sirvieron como sujetos de prueba para que los tímidos se atreviesen a hacer música no comercial sin ser mal vistos. Ellos se atrevieron y por eso merecen mi respeto. Ellos se atrevieron y eso es lo que cuenta.

I'M WAITING FOR THE MAN


UNA DE SUS CANCIONES MAS CONOCIDAS QUE SE DESPRENDE DE SU MEJOR DISCO THE VELVET UNDERGROUND & NICO. UNA CANCIÓN QUE HABLA DE LA MICRO-COMERCIALIZACIÓN DE DROGA EN UNA SOCIEDAD DONDE ESTE TEMA NO ERA HABITUAL. DISCULPEN POR NO ENCONTRAR EL VIDEO ORIGINAL, LOS AÑOS PESAN EN LA CALIDAD DE ESTOS Y ES MUY DIFÍCIL ENCONTRAR UNO DECENTE.


VENUS IN FURS


UN COVER GENIAL QUE LA BANDA MONSTER MAGNET LE HARÍA A ESTA CANCIÓN DE LOS VELVET. ESTE COVER ES MUY BUENO NO PORQUE SE LE AGREGARON NUEVOS ARREGLOS NI CAMBIOS DRAMÁTICOS, SINO, COMO MENCIONÉ ANTES, POR HABER PULIDO CIERTOS DETALLES QUE HARÍAN DE ESTA BUENA CANCIÓN AÚN MEJOR. MIL DISCULPAS POR NO CONSEGUIR NUEVAMENTE EL VIDEO ORIGINAL, COSA CASI IMPOSIBLE SI SE TRATA DE UNA BANDA ANTIGUA Y NO COMERCIAL. ESTA CANCIÓN MUESTRA LA PARTE EXPERIMENTAL DE LA BANDA, DÁNDONOS UNA IDEA DE LO QUE PUDO INSPIRAR A MUCHOS OTROS.


WHITE LIGHT/WHITE HEAT


CANCIÓN QUE LE DA EL NOMBRE A SU SEGUNDO DISCO Y QUE SE DISTANCIA UN POCO DEL SONIDO MÁS EXPERIMENTAL DE LA BANDA EN SU OBRA DEBUT. DIFERENTE NO SIGNIFICA MALO Y ESTE TEMA ME PARECE MUY BUENO Y MUCHO MÁS ACCESIBLE. EL TEMA ES INTERPRETADO ÚNICAMENTE POR LOU REED, SIN EMBARGO, VALE LA PENA ESCUCHARLO.

Crepúsculo, crepúsculo y más crepúsculo

Como para terminar de saciar el ansia de sangre de muchos seguidores de esta película, vuelvo a dedicarle un post para resaltar otra de las canciones incluidas en su soundtrack. Esta vez se trata de Muse, la banda de rock alternativo originaria de Inglaterra (como para variar) y su tema Supermassive Black Hole, perteneciente a su último material de estudio, Black Holes And Revelations. Esta banda tiene un estilo único y, aprovechando el estreno de Crepúsculo, les hago recordar un tema potente y digno de escuchar, aunque, claro, tiene muchos más que son geniales y que ya ire colgando. Siempre con su temática misteriosa acerca del universo, los trastornos humanos y lo enigmático, nos hacen despegar por un momento de la tierra entregándonos más que música.

La luna llena del crepúsculo

Y, de seguro muchos ya habrán visto la tan esperada, disfrutada y vanagloriada película Crepúsculo; sí, sí, aquella película de amor vampirezco de la que todos estamos escuchando hablar últimamente (o estamos hablando), basada en el libro del mismo nombre, que vio la luz de mano de la estadounidense Stephenie Meyer y que los jóvenes alucinados cuyo ídolo es Drácula se han encargado de convertir en un best seller. Pues, personalmente, la película no me llama mucho la atención ya que aquellas películas en donde el amor adolescente es el protagonista me resultan un tanto empalagosas y hasta un poco telenovelescas. Pero si algo que hay que resaltar es el soundtrack de esta, comenzando por una canción que, sin ser el estilo musical de mi predilección, me ha gustado bastante. Se llama Full Moon y es interpretada por el dúo inglés The Black Ghosts, regalándonos una dosis electrónica bien equilibrada y digerible. Si tú eres uno más de los que han escuchado, leído u observado la palabra crepúsculo más veces durante las 2 últimas semanas que durante todo el tiempo previo, tendrás que chocarte una vez más con dicha palabra, pero esta vez para disfrutarla con una buena canción. Otro demonio musical más: la electrónica.

Producto Peruano: Era

Cuando descubrí a esta banda me quedé sorprendido, pues tienen un estilo marcadamente influenciado por la banda de rock alternativo Muse. La banda se llama Era y logran absorber los ritmos hipnóticos y un tanto marcianos de la agrupación antes mencionada para plasmarlos con su propio estilo y establecerse como un buen exponente del género en Perú. Han cosechado éxitos en su aún corta trayectoria, como resultar ganadores en el concurso Nevolution de Alemania o en el International Songwriting Competition de EEUU, lo que me hace augurarle un buen futuro. Pues, por ahora les dejo uno de mis temas favoritos, perteneciente a su última producción, Ufocalipsis, llamado Opium. El video está realizado por un seguidor de la banda, así que no le presten atención a la ausencia de sincronización entre el sonido y el movimiento de la boca del vocalista! jeje. Cuando existe talento hay que reconocerlo y estos chicos lo tienen por toneladas.

De Escocia para el mundo

The Fratellis, una banda de indie rock con toques country, sacó su segundo material de estudio llamado Here We Stand en junio de este año y, a pesar de haber escuchado pocas canciones de este álbum, recomiendo una de ellas. Se llama My Friend John y es un tema potente con una buena combinación de guitarras y bajo. En lo particular no soy un fanático de esta banda; su primer disco, Costello Music, cotenía algunos temas buenos, pero casi todos super pegadizos sin mucha elaboración, cosa que no siempre me llama la atención. De este primer material rescataría la canción Whistle For The Choir, pues las ya conocidas Chelsea Dagger y Flathead me han colmado por completo con esos ritmos y estribillos pegadizos. Acá está My Friend John.

Larga vida a los púrpuras

Y cómo no dedicarle un post a una de las bandas más importantes del hard rock, Deep Purple, no con motivo de algún nuevo material, sino con la única intención de recordar su buen sonido y su genialidad creativa. El video que les muestro es del concierto que tuvieron el año pasado en Lima y es de la canción Pictures of Home, una canción excelente. Me hubiera gustado publicar el video de esta misma canción pero en la versión creada para el concierto que ofrecieron en 1999 en el Royal Albert Hall junto a la orquesta sinfónica de Londres; una versión espectacular pero que lamentablemente no pude encontrar en buena calidad de audio. De todas maneras ninguna oportunidad sobra para resaltar a esta gran agrupación que ha cosechado éxitos y lo seguirá haciendo.