El ASCENSO Y SOLO ASCENSO DEL ART ROCK Y EL HOMBRE DE MARTE

Era un día como cualquier otro para los habitantes del condado de Kent, Londres, pero para uno de ellos sería especial. El joven David Bowie era herido en el ojo izquierdo por uno de sus compañeros de estudio, quedando con una pérdida de la percepción de profundidad y con daños irreparables en su pupila: una parálisis y la dilatación permanente de esta. Un accidente lamentable para muchos. Para Bowie no tanto así. La pupila dilatada daría el aspecto de una coloración diferente de su ojo, convirtiéndose en una de sus características más llamativas que formarían parte esencial de su look (o de todos sus looks) salido de otro planeta. En un pequeño pueblo de Inglaterra, el muchacho de los ojos bicolor sufría por la herida, sin saber que años más tarde se convertiría en uno de los más grandes íconos del art rock.

David Bowie aprendió a tocar el saxofón a los 13 años y esto le sirvió para formar parte de varios grupos de rythm & blues de la época, ganando experiencia para lo que después sería su propia carrera, como solista. Desde los inicios de su carrera, este loco artista demostró una creatividad excepcional, influenciada en gran medida por una banda que llamó su atención: The Velvet Underground. La explosión de ingenio que los estadounidenses demostraban desde su álbum debut, así como en sus presentaciones en vivo, motivó a Bowie para hacer algo por y para su pasión más grande: la música. Algo que, si bien influenciado por bandas atrevidas como la ya antes mencionada o los grandiosos Pink Floyd, lleve su esencia, para que, al ser escuchado, uno diga sin vacilación: "ese es David Bowie". De esta manera lanza su primer LP y, cual padre orgulloso de su hijo, le puso su nombre. Este primer disco no sería el gran éxito que Bowie buscaba, pero no tardaría en llegar. Su segundo álbum, "Space Oddity", traería consigo un tema homónimo que hizo que la gente dirigiese sus ojos al joven que tenía los suyos de colores diferentes.
La canción narra la historia del astronauta Major Tom que, en plena misión, decide quedarse en el espacio, deprimido, pues se da cuenta que las cosas son diferentes a como él las creía. Este tema sería su primer gran éxito, junto al álbum que estaba inspirado en la película de Stanley Kubrick "2001: una odisea espacial". Bowie, siempre atraído por temas extraterrestres, no resistiría la tentación de extender una obra de arte como lo es esta película a su terreno musical, y vaya que logró un buen resultado. Pero las odiseas espaciales y lo extraterrestre no acabarían ahí. Luego, vendrían un par de discos buenos, donde Bowie empezaría a mostrar lo camaleónico que era, al mutar de un estilo un tanto psicodélico predominante en su "Space Oddity" a un estilo más hard en su siguiente disco de estudio "The Man Who Sold the World" que incluía la canción del mismo nombre que años más adelante sería covereada por otro grande del rock: Kurt Cobain. Hace un tiempo, yo no sabía que la canción era de David Bowie y juraba que era creación de Cobain y desde la primera vez que la escuché, me gustó bastante. Actualmente, con algo más de cultura musical, he escuchado las 2 versiones y, con toda sinceridad, me quedo con la de Bowie; no por que la de Cobain sea mala, sino porque la de Bowie es genial. Pero lo mejor estaba por venir. Luego, Bowie alivianaría nuevamente su estilo para entregarnos otra pieza maestra con temas relajantes e inspiradores: "Hunky Dory", disco en que las letras desempeñan un papel fundamental, dejando entrever lo literario dentro de la obra del artista inglés y recibiendo buenas críticas por ello. "Changes", la canción que abre el disco, pregona el estilo que Bowie seguiría fielmente: el cambio. Es por esto que se le llama el "Camaleón del rock". Este álbum no solo sería bueno por las composiciones de este músico, sino también por el aporte de otros que luego formarían el grupo que Bowie lideraría, ya no como David Bowie, sino como Ziggy Stardust, uno de sus impredecibles "alter-egos". Bowie había cosechado apreciables éxitos en su incipiente carrera, pero, obviamente, no era todo lo que podía hacer. Y vaya que demostraría su gran capacidad inventiva e, por primera vez para él, histriónica.

Bowie daría vida a un personaje que ganaría tanta fama como él; era el nacimiento de Ziggy Stardust: una estrella de rock marciana y andrógina que venía a la Tierra para anunciar la destrucción de esta, advirtiendo a sus habitantes y proponiéndoles como única salvación recibir su rock; su arte. Pero este extraterrestre se dejaría poseer por la fama que ganaría en su misión salvadora, olvidándose de esta por completo y dejándose llevar por la vida bohemia propia de un "rock & roll star"; solo para darse cuenta al final que había cometido un grave error.


Este álbum conceptual, que llevaba como título "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars", finalmente haría de Bowie la megaestrella rockera que merecía ser, sorprendiendo a sus seguidores, y a los que no lo eran, con su facilidad para mutar y esa mente llena de potencial para convertir en arte todo lo que él se proponía realizar.


Ni qué decir de sus presentaciones en vivo, donde Bowie se ponía la piel de Ziggy Stardust, maquillándose y portando una indumentaria nunca antes vista en un rockero. Un personaje muy bien producido que traía consigo otra corriente del rock: el glam; dando así otro paso en la evolución del género.

El rock, que tenía experimentalidad gracias a The Velvet Underground y óperas rock cual obras teatrales gracias a Pink Floyd, ahora tenía también actores sofisticados para dichas obras. Pero, ¿quiénes eran los Spiders from Mars? El marciano no venía solo; había traído consigo a un grupo de geniales músicos que formarían su banda temporal "The Spiders from Mars" que fueron los actores secundarios, pero fundamentales, en el show de Ziggy. Con el tiempo, la fama de este personaje consumiría a Bowie; las demandantes giras y los elaborados conciertos lo desgastaban cada vez más, y es así que decidió eliminarlo; pero Ziggy se iría de este mundo terrícola como los grandes. Una de las últimas obras donde aparece el alter-ego de Bowie es en su siguiente disco de estudio: Aladdin Sane, otra gran obra donde Bowie incluiría nuevos elementos recogidos de una gira a los Estados Unidos. Muy bien recibida por la crítica de la época y, desde mi punto de vista, el único disco que le hace la competencia a "The Rise and Fall of Ziggy Stardust...", con canciones elaboradas y distintas, como si Bowie se aburriera de dar siempre lo mismo. Y es gracias a su aburrimiento que muchos hemos dejado de aburrirnos. De esta manera, Ziggy había tenido un gran ascenso y ahora había iniciado el momento de la caída; que culminaría tras un par de álbumes más: "Pinups" (que era una serie de covers de artistas influyentes como Pink Floyd o The Who) y "Diamond Dogs" (homenaje que Bowie quizo rendir a la obra de George Orwell, 1984), un álbum de corte lirical político donde se puede apreciar en la portada a Ziggy; la última portada donde aparecería. Bowie había sido exorcizado de su otro yo y Ziggy había abandonado nuestro planeta, marcando una gran época y representando una gran influencia para la música. Pero el camaleón del rock, fiel a su apodo, continuaría su transformación.

Como si fuera una esponja, Bowie absorbía elementos de todas partes para incluirlos a su música y, esta vez, los elementos culturales y musicales americanos se fusionaron con su facilidad por reinventarse, creando así otro alter-ego: El Duque Blanco; un personaje opuesto a Ziggy, elegantemente vestido y formal.

Luego del lanzamiento de su álbum Young Americans, de un corte más soul, la droga llamaría la atención del músico inglés y marcaría la personalidad de su nuevo alter-ego. Durante esta etapa sacaría nuevos discos, experimentando con nuevos ritmos y haciendo gala del eclecticismo que lo caracteriza; por ejemplo, "Station to Station", siguiendo con el tono soul e incluyendo también toques eléctronicos que eran inspirados por bandas alemanas o la trilogía de Berlín (llamada así por que la influencia de estas bandas se incrementó) "Low", "Heroes" y "Lodger", donde se animaría a sacar su lado más experimental, incluyendo piezas instrumentales y oscuras (Low), piezas experimentales pero positivas (Heroes) o más accesibles y comerciales (Lodger); pero el Duque Blanco no sería aniquilado así de pronto como Ziggy Stardust; nunca llegó a morir, algo de él permanece en Bowie como si se hubieran fusionado. Luego, Bowie experimentaría con un espectro muy amplio de estilos como el techno, la electrónica, el dance, el new wave, etc, además de su rock y pop de siempre, obsequiando más y más música hasta nuestros días. Bowie es una leyenda viva y una fuente de inagotable creatividad, solo él puede reinventarse y adaptarse a todo entorno que lo rodee; a cualquier ritmo que se le cruce en el camino él le coloca su sello personal; creando personajes, inventando historias, haciendo arte. Grande, Bowie!

SPACE ODDITY


PRIMER GRAN SUCESO DE DAVID BOWIE. AUNQUE LA LETRA HABLE DE UN ASTRONAUTA DEPRIMIDO EN EL ESPACIO, RAZÓN POR LA CUAL DECIDE QUEDARSE AHÍ, EL VIDEO SUGIERE QUE LA DEPRESIÓN TENÍA FORMA DE MUJER! JEJE


THE MAN WHO SOLD THE WORLD


ESTUPENDA CANCIÓN DE BOWIE QUE ADQUIRIÓ GRAN FAMA GRACIAS AL COVER DE NIRVANA. PERTENECIENTE A SU TERCER ÁLBUM CANTADO POR UN BOWIE MÁS CONTEMPORÁNEO, CON LA FUERZA INTERPRETATIVA INTACTA.


LIFE ON MARS


MOSTRANDO LO CAMALEÓNICO DE SU ESTILO, BOWIE NOS OFRECE UNA CANCIÓN LENTA Y BALADESCA PROVENIENTE DE SU ÁLBUM HUNKY DORY, LUEGO DE HABER ROCKEADO CON SU ÁLBUM PREVIO. VIDEO QUE CORRESPONDE A SU PRESENTACIÓN EN EL FASHION ROCKS DEL 2005. UN PLACER PARA LOS OÍDOS.


MOONAGE DAYDREAM


EXCELENTE CANCIÓN DE SU OBRA MÁS ACLAMADA: THE RISE AND FALL OF ZIGGY STARDUST AND THE SPIDERS FROM MARS. ZIGGY LE DICE A LA HUMANIDAD QUE ÉL HA VENIDO A SALVARLOS Y QUE LO SIGAN EN SU MISIÓN, Y, POR LO VISTO, MUCHAS FANÁTICAS LE HACEN CASO SIN IMPORTARLES SU APARIENCIA FEMENINA. JUNTO A SUS ARAÑAS DE MARTE, BOWIE NOS ENTREGA ROCK A SU MEJOR ESTILO.


ZIGGY STARDUST


UNA DE SUS CANCIONES MÁS CONOCIDAS. ZIGGY CUENTA SU HISTORIA JUNTO A SU BANDA Y CÓMO ESTOS SON ATRAPADOS POR EL ESTILO DE LA VIDA ROCKERA. OTRA PIEZA MAESTRA DE BOWIE.


SUFFRAGETTE CITY


MI CANCIÓN FAVORITA. EXPLOSIÓN DE ROCK A CARGO DE ZIGGY STARDUST, UNA CANCIÓN QUE NOS SIGUE MOSTRANDO LA FACILIDAD QUE TIENE BOWIE PARA CAMBIAR SIN DEJAR DE HACER BUENA MÚSICA. NO PUEDO EVITAR CANTARLA CADA VEZ QUE LA ESCUCHO!


ALADDIN SANE


DE SU DISCO HOMÓNIMO; BOWIE NOS REGALA OTRA GRAN CANCIÓN, YA SIN ZIGGY A SU LADO. DE SU TOUR DIAMOND DOGS Y EN CAMINO A CONVERTIRSE EN EL DUQUE BLANCO, ACÁ ESTÁ ALADDIN SANE.


JUMP THEY SAY


CANCIÓN PERTENECIENTE A SU DISCO BLACK TIE WHITE NOISE DEL AÑO 1993, MUESTRA A UN BOWIE USANDO NUEVOS RITMOS COMO EL NEW WAVE Y CON UN ESTILO MÁS ELECTRÓNICO Y DIGERIBLE. CANCIÓN DEDICADA A SU MEDIO HERMANO QUE SUFRÍA DE ESQUIZOFRENIA Y QUE TERMINÓ POR SUICIDARSE.


LITTLE WONDER


TEMA INCLUIDO EN SU DISCO EARTHLING Y QUE SORPRENDE POR LA INAGOTABLE CAPACIDAD CREATIVA DE BOWIE. CON ALGO MÁS DE ROCK Y CON LA TECNOLOGÍA AVANZANDO, BOWIE TIENE MÁS OPCIONES PARA CREAR UN VIDEO TAN EXTRATERRESTE COMO LO ES ÉL, DEJANDO CLARO QUE SU INVENTIVA SE INCREMENTA CON EL PASO DE LOS AÑOS. SEGURO MUCHOS SE PREGUNTARÁN CÓMO UN ARTISTA QUE CAMBIA TANTO DE ESTILO PUEDE SEGUIR OFRECIENDO BUENA MÚSICA; YO LES SUGERIRÍAN QUE VEAN ESTE VIDEO.

HACIENDO ARTE EN EL LADO OSCURO DE LA LUNA

Si bien The Velvet Underground se convirtió en banda de culto al romper las barreras de la música, un año después, su equivalente inglés entraba a la escena. Era el nacimiento de Pink Floyd, una de las bandas más grandes de la historia; una banda única que, si bien surgió paralelamente a los Velvet, alcanzó un éxito inigualable y dejó un legado de importancia vital para todo músico.

Formado inicialmente por Nick Mason, Bob Klose, Richard Wright, Roger Waters y Chris Dennis; aunque la formación principal de la banda sería sin este último ni Klose. Reemplazando a Dennis entraría un personaje que le daría el empujón inicial para hacerse de un lugar en la industria. Se trataba de Syd Barrett, quien se convertiría en el principal compositor y el eje de la agrupación en sus inicios. Una mente llena de intenciones e ideas que transmitiría a sus canciones. Junto a él, Pink Floyd se sumergiría en un universo de experimentación. Quizá, el decir que fueron equivalentes a The Velvet Underground fue un poco apresurado, pues, la equivalencia a la que me refería no va más allá del ímpetu que ambas agrupaciones tenían por darle a la música algo innovador; lo que en verdad se merecía. Por lo demás, me atrevo a decir que los Floyd lograron canalizar mucho mejor toda esa fuerza creativa que se podía saborear en la carrera de los Velvet. Se formaron en 1965, tan solo un año después de la banda antes mencionada y tal parece que ese año marcó la diferencia. Dicen que todo tiene su momento y quizá por eso los Velvet fueron primero que Floyd; como una especie de antesala a la genialidad. Desde temprano, estos virtuosos ingleses consiguieron éxito; desde su disco debut "The Piper at the gates of Dawn" lograron escalar hasta lo alto de las listas británicas, mostrando su psicodelia e ingenio, gran parte del cual provenía del jóven Barrett.


Este "diamante loco", como lo apodaban sus compañeros, se opacó al poco tiempo debido a su adicción. Era LSD, la droga de la psicodelia por excelencia, y esas ansias de experimentar se trasladaron de la música a este ámbito. Su lucidez como músico se fue consumiendo lentamente, desembocando en su salida de la banda. De verdad que duele todo el daño que causan las drogas, pero duele más aún cuando ese daño se le ocasiona a una mente brillante. Luego de sacar un par de discos, murió musicalmente y el brillo del diamante se agotó. Barrett murió el 7 de julio de 2006 en Cambridge. Pero Pink Floyd seguiría sin él. Tras una serie de discos notables, entre los que destaco Meddle, llegaría la gloria.


Esta tenía como nombre "The Dark Side of the Moon" y se convirtió rápidamente en todo un éxito. Catalogado como el cuadragésimo tercer mejor álbum de todos los tiempos por la revista Rolling Stone, el décimo por la revista Q y, personalmente, uno de los cinco primeros. Grandes temas como "Time" o "Money", describían las tensiones que los seres humanos enfrentamos día a día. Un álbum que nos hacía reflexionar sobre nuestra vida, pero desde el arte que un grupo de músicos podía crear. Pink Floyd tendría un trepidante ascenso a partir de este álbum y los rankings dieron fe de ello. Discos como"Wish you were here", donde remembraban a Barrett, o la magistral "The Wall", donde, principalmente, Roger Waters tendría su clímax de inspiración, traspasando el lado musical e incluyendo lo teatral en espectáculos sofisticados pero llenos de significado. Waters revelaba sus demonios internos y sentía como estos lo asislaban del mundo. Ese resentimiento producto de los golpes que le dio la vida y la montaña rusa de emociones que representaba ser una estrella del rock lo golpearon y, lo demostró en el ambicioso proyecto de construir un muro que lo separara de su público, en pleno concierto, dejando ver como se sentía.


TEMA "THE TRIAL", EXCEPCIONAL MUESTRA DE LA TEATRALIDAD DE LOS FLOYD CON TODO UN ESPECTÁCULO DE PROYECCIONES SOBRE EL MURO, EL CUAL SE PUEDE APRECIAR EN EL PRECISO INSTANTE EN QUE ESTÁ CAYENDO, AL FINAL DEL CONCIERTO.

Lo que vendría después serían más discos, pero esta vez acompañados de problemas. Problemas que terminarían por sacar de la banda a otro genio. Waters anunciaba su renuncia. Más problemas, ahora no solo interpersonales, también entraba en juego los derechos de la banda. ¿Debería seguir llamándose Pink Floyd una agrupación que había perdido parte fundamental de su constitución? La justicia dijo que sí. El resto de la historia de la banda inglesa es una sucesión de álbumes buenos, pero no imprescindibles.

Definitivamente, al hablar de Pink Floyd, la imagen del fenómeno de dispersión de la luz presente en la portada de "The Dark Side of the Moon" viene a la mente, el rostro de Barrett, el muro que aislaba a la banda en sus conciertos, el globo de cerdo sobrevolando el cielo, sus admirables discos con sus largas canciones, unidas todas para formar una sola. Los Floyd le dieron el peso necesario al Art Rock como músicos y artistas que nacieron para serlo, para entregarse de lleno a su inspiración. El género les debe mucho.

Acá les dejo una selección de temas notables. Ojo, si no conoces mucho de Pink Floyd y esperas temas cortos y simples, te recomiendo que no veas los videos; ya que varios tienen una duración moderada y hay que saber disfrutarlos, sin cortarlos a la mitad o viendo solo una parte. Solo así se aprecia una canción de estos grandes del art rock.

SEE EMILY PLAY


SEGUNDO SENCILLO DE LA BANDA DONDE SE NOTA CON CLARIDAD EL ESTILO PSICODÉLICO QUE SYD BARRETT LE IMPRIMÍA A LAS CANCIONES. EL VIDEO ES EL ORIGINAL (DE AHI LA CALIDAD UN TANTO DETERIORADA) Y MUESTRA UNA CREATIVIDAD QUE HACE DE ESTE UN VIDEO MUY DIVERTIDO A PESAR DE SER SIMPLE.


ASTRONOMY DOMINE


CANCIÓN PERTENECIENTE A SU ALBUM DEBUT "THE PIPER AT THE GATES OF DAWN" QUE MUESTRA LA EXPERIMENTALIDAD DE LA BANDA DESDE MUY TEMPRANO. COMO SI SE HUBIESEN ADELANTADO A SU TIEMPO, PINK FLOYD HACE MAGIA EN CADA TEMA, EXPLOTANDO AL MÁXIMO LOS INSTRUMENTOS Y LOS ARREGLOS QUE, SIN SER DESBORDANTES, REALZAN MUCHO CADA OBRA.


MONEY


MI TEMA FAVORITO. UNA BUENA BASE DE BAJO EN MANOS DEL PRODIGIOSO ROGER WATERS Y EL ESTILO MÁS ROCKERO DE LA BANDA EN CONJUNTO QUE LE DAN UNA CACHETADA A LA SOCIEDAD MATERIALISTA, EVIDENCIANDO EL PODER CORRUPTOR DEL DINERO. SIMPLEMENTE GENIAL.


TIME


OTRO DE LOS GRANDES TEMAS DE SU ALABADO "THE DARK SIDE OF THE MOON" QUE HABLA DEL TIEMPO QUE CADA VEZ ACORTA MÁS NUESTRAS VIDAS. EL INTRO ES UNA COMBINACIÓN DE RELOJES Y ALARMAS QUE ANTICIPA LO QUE SERÁ UNA MUY BUENA CANCIÓN.


COMFORTABLY NUMB


DE SU OBRA MAESTRA "THE WALL", WATERS SE DESAHOGA DE LOS TRAUMAS QUE LO AQUEJARON A LO LARGO DE SU VIDA, EN ESTE CASO, DE SU NIÑEZ Y LO RECREA AL LADO DE GILMOUR EN UNA OBRA MAGNÍFICA QUE, JUNTO A UN EXTRACTO DEL VIDEO CREADO PARA EL DISCO, CONFORMAN UN VERDADERO PLACER QUE TE DEJARÁ CÓMODAMENTE ADORMECIDO.


ANOTHER BRICK IN THE WALL


EL YA CLÁSICO TEMA QUE NO NECESITA DE PRESENTACIÓN, EXPLOSIVO Y LLENO DE FUERZA, ESTA VEZ HACIENDO UN REPROCHE A LA EDUCACIÓN DE ESA ÉPOCA.

ART ROCK: EL ROCK A OTRO NIVEL

Me aventuro y me arriesgo a la vez al hablar de este subgénero del rock que no es nada fácil de definir, ya que, como su mismo nombre lo indica, la música generada en dicha corriente es más que eso, más que simples notas tocadas unas tras de otras. Es una etapa donde el rock evoluciona y está en proceso de formar su personalidad dentro del ambiente musical, de mantener ese peso que ya estaba ganando luego de que el blues le diera la vida. La experimentación había llegado y, junto a ella, las ganas de que el rock adquiera vida propia; cual pintor que plasma sus emociones en un lienzo o cual escultor que le da un alma a simple arcilla, los músicos de esta etapa eran artistas y plasmaban su interior en su obra, pintándola, esculpiéndola, fusionándose con la literatura para ganar esa contundencia en las letras. Como el arte se interpreta y se siente, no es fácil definirlo, pero tampoco es necesario. El principal motivo por el cual he decidido hacer un megapost acerca de art-rock, es para rendirle un homenaje a esos artistas que han marcado mi vida, no con la finalidad de establecer el verdadero significado del término art-rock ni pretender que mi interpretación del mismo sea la correcta para todos. Solo deseo dar a conocer mi admiración por estos músicos que hacen despertar mis oídos y que hacen volcar mis sentimientos con una canción; personas que se atreven a dar algo más por la música y a seguir sus propias convicciones, a pesar de lo adverso que pueda ser el contexto. Habrán varios que no conciban a los cuadros de Picasso o a las poesías de Neruda como arte, y está muy bien, pero los artistas no viven para que la gente los ame; solo expresan lo que llevan por dentro y no se rinden por más rechazo que sus obras puedan recibir. ¿Pero algo de cierto tendrá lo que digo, no? Pues, a lo largo de este megapost te darás cuenta. Yo no puedo llamar a lo que hacen estos músicos otra cosa que no sea arte y me atengo a las reacciones que pueda generar. No, no; acá no encontrarás estribillos pegajosos ni convencionalidad; seguramente tendrás que escuchar alguna canción más de una vez para encontrar el verdadero significado de cómo una canción así puede ser creada por alguien; ¿cuál era la intención de la banda al crear algo así? Tratar de entregarle a la música algo que viva por siempre y que nazca de la genuina inspiración, no de una imposición ni del deseo de lucro. Eso es el Art Rock. Usado como sinónimo de rock progresivo o de rock experimental; sean lo mismo o no, sean unos influencias de otros, de la forma en que lo quieras ver, el Art Rock existe para hacer arte. Solo eso.


EL NACIMIENTO DEL ART ROCK

Si hablamos de Art Rock definitivamente nos remontaremos a los años 60's, donde surge una de las mayores influencias para las bandas rockeras que a la postre surgirían. Se trata de The Velvet Underground, banda estadounidense que fuera la pionera en experimentar con la música.

Creada en 1964 cuando Lou Reed conociera a John Cale y juntos reclutaran a un ejército de excéntricos músicos para marcar un hito en la historia del rock. Tras un par de "tocadas", en donde mostraron su oposición a la normalidad de la época, el artista Andy Warhol tiene la oportunidad de verlos en escena. Warhol reconoció la originalidad y la experimentalidad en los Velvet, cosa que, naturalmente, lo atrajo y decidió apostar por ellos en un momento en que nadie lo hubiera hecho. La vena artística de Warhol le hizo ver más allá de lo que ningún otro lo hizo. Entre locos se entienden, dicen. Es así que Warhol se vuelve el mánager de la banda. Se convierte en el mecenas. Insta a los Velvet a que incluyeran a la cantante y modelo Nico en la banda y ellos acceden a regañadientes, para luego empezar a trabajar en su primer disco, sin saber que se convertiría en una de las piezas clave del rock. Y dieron a luz a su promogénito: The Velvet Underground & Nico; ópera prima que muchos consideran el mejor álbum debut de todos los tiempos, aunque en ese entonces nadie lo vio así.
Luego de este disco, The Velvet Underground irían agonizando lentamente hasta que, finalmente, en 1973 se disuelven. Un disco incomprendido en su tiempo, loado en la actualidad; considerado uno de los 100 mejores discos de los últimos 50 años por la revista Time; el septuagésimo primer mejor álbum de todos los tiempos según la revista británica Q y el decimotercer mejor disco de la historia por la Rolling Stone. Otros conocedores y amantes del rock consideran que debería estar en el primero o al menos entre los cinco primeros. Un tanto exagerado a mi parecer. Personalmente, este álbum no me parece una excelencia y admito que tuve que parar la última canción "European Son" pues mis oídos estaban colmados. ¿Será que mi capacidad de entendimiento musical es tan estrecha como para apreciar como se debe este disco? Quizás sí, pero no me puedo poner tan exquisito, ya que se trata del nacimiento de una vertiente del rock a la que le falta pulir varios aspectos y, además, tiene canciones muy rescatables como "I'm Waiting for the Man" o "There she goes again". Pero algo que sí es cierto es que este disco representó la inspiración que muchos músicos aún ocultos necesitaban para dar el siguiente paso. Una obra que sin ser genial en su constitución sirvió como bisagra para marcar un antes y después. Sonidos estridentes y hasta un poco desordenados, letras que hablan de tabúes en ese entonces pero que no mienten, la explosión de experimentación en carne viva. Derrepente otras bandas hubieran podido plasmar de mejor manera la desenfrenada carga de creatividad que The Velvet Underground se animó a mostrar, pero nadie lo hizo; ellos fueron los que se atrevieron y sirvieron como sujetos de prueba para que los tímidos se atreviesen a hacer música no comercial sin ser mal vistos. Ellos se atrevieron y por eso merecen mi respeto. Ellos se atrevieron y eso es lo que cuenta.

I'M WAITING FOR THE MAN


UNA DE SUS CANCIONES MAS CONOCIDAS QUE SE DESPRENDE DE SU MEJOR DISCO THE VELVET UNDERGROUND & NICO. UNA CANCIÓN QUE HABLA DE LA MICRO-COMERCIALIZACIÓN DE DROGA EN UNA SOCIEDAD DONDE ESTE TEMA NO ERA HABITUAL. DISCULPEN POR NO ENCONTRAR EL VIDEO ORIGINAL, LOS AÑOS PESAN EN LA CALIDAD DE ESTOS Y ES MUY DIFÍCIL ENCONTRAR UNO DECENTE.


VENUS IN FURS


UN COVER GENIAL QUE LA BANDA MONSTER MAGNET LE HARÍA A ESTA CANCIÓN DE LOS VELVET. ESTE COVER ES MUY BUENO NO PORQUE SE LE AGREGARON NUEVOS ARREGLOS NI CAMBIOS DRAMÁTICOS, SINO, COMO MENCIONÉ ANTES, POR HABER PULIDO CIERTOS DETALLES QUE HARÍAN DE ESTA BUENA CANCIÓN AÚN MEJOR. MIL DISCULPAS POR NO CONSEGUIR NUEVAMENTE EL VIDEO ORIGINAL, COSA CASI IMPOSIBLE SI SE TRATA DE UNA BANDA ANTIGUA Y NO COMERCIAL. ESTA CANCIÓN MUESTRA LA PARTE EXPERIMENTAL DE LA BANDA, DÁNDONOS UNA IDEA DE LO QUE PUDO INSPIRAR A MUCHOS OTROS.


WHITE LIGHT/WHITE HEAT


CANCIÓN QUE LE DA EL NOMBRE A SU SEGUNDO DISCO Y QUE SE DISTANCIA UN POCO DEL SONIDO MÁS EXPERIMENTAL DE LA BANDA EN SU OBRA DEBUT. DIFERENTE NO SIGNIFICA MALO Y ESTE TEMA ME PARECE MUY BUENO Y MUCHO MÁS ACCESIBLE. EL TEMA ES INTERPRETADO ÚNICAMENTE POR LOU REED, SIN EMBARGO, VALE LA PENA ESCUCHARLO.

Pero, ¿qué es indie?

Indie, una palabra que muchos deben haber escuchado pero que pocos saben definir con exactitud. Me incluyo en este último grupo pero haré el intento por delimitar el concepto de esta palabra según lo que puedo entender. ¿No te ha pasado que alguna vez has escuchado una canción y no sabes si es rock o pop o electrónica o wtf!!?? Pues a mí sí, y, efectivamente, así fue como conocí al indie. Este género comenzó haciendo referencia a la forma en que las bandas producían sus discos y no a su estilo musical, pues, como es sabido, las disqueras tienen un método de trabajo donde muchas veces imponen condiciones en las obras de los artistas, así como en su difusión y publicidad. Es en respuesta a las condiciones impuestas por estas grandes compañías que surgen, paralelamente, una serie de disqueras independientes en los años 20 y posteriormente en los años 50 adquieren más fuerza. Estas incipientes compañías producían material que era mal visto por las otras antes mencionadas, como era el jazz y el blues, e impulsaban su crecimiento con la reproducción de temas en radios, conocidas como piratas. Es así que se empezó a crear el movimiento independiente cuyos ritmos no se adaptaban a la “normalidad” que exigían las grandes compañías disqueras. Pronto se incluyeron a esta nueva corriente el rock, el pop y todo género en desarrollo, quienes veían en el indie una forma de experimentar con todo aquello que las compañías antes mencionadas no les permitían, innovando y probando nuevos sonidos. Bandas representativas y pioneras de este movimiento son Pixies, Sonic Youth, The Smiths, etc. De esta manera lo que empezó siendo una denominación referente a la forma de producción se transformó en una forma de expresar originalidad y vanguardia en la música, donde las bandas están libres de cualquier presión, dando como resultado, así, sonidos diferentes y únicos. En la actualidad muchas bandas que hacen música que escapa de cualquier parámetro “común” se clasifica como indie, aunque muchas de estas usan esta etiqueta para atraer gente cuando en verdad su música no tiene ni pies ni cabeza. No por meter cualquier instrumento y mezclarlos de cualquier forma ya eres indie, así que no te dejes engañar! Bandas indie muchas, pero buenas, pocas.

¿Dónde quedó Guns N' Roses?

El nuevo álbum de Guns N' Roses (nombre que hace referencia a aquella banda legendaria que ya no existe) Chinese Democracy por fin vio la luz este año y la verdad, ha dejado mucho que desear. La desintegración de la banda marcó su final definitivo, pues los únicos "sobrevivientes" Dizzy Reed y Axl Rose se han inclinado por un estilo más industrial, dejando de lado su creatividad y la genialidad de sus grandes canciones anteriores. Ahora la banda está conformada por más de 8 miembros, entre los cuales hay 4 guitarras, 2 baterías, 2 teclados; ¿no querrás 2 vocalistas más Axl? Parece que han olvidado esa frase de "más vale calidad que cantidad". Con sonidos desbordantes que llegan a hostigar como en Shackler's Revenge o con un intento fallido por conmovernos como en Street of Dreams nisiquiera se acercan a la majestuosidad de composiciones como Don't Cry o Sweet Child O' Mine, la cual todos hemos cantado al menos una vez. Yo soy de los que creen que una banda debe ir evolucionando e innovando, pero sin perder la esencia que la caracteriza, ni mucho menos reciclando miembros de otras bandas para llenar el espacio de los ex-integrantes. Precisamente Slash se retiró de la banda al ver que Axl quería cambiar el estilo de los Guns N' Roses, declarando lo siguiente: "Ese disco no nos interesa ni interesa a nadie. El verdadero espíritu de los Guns está en Velvet Revolver. Chinese Democracy es una burda copia del Core". Bueno, eso de que el verdadero espíritu de los Guns esté en Velvet Revolver me deja dudas, pero de lo que estoy seguro es que definitivamente no está en el intento de resurrección que Axl ha hecho de los Guns N' Roses. El verdadero espíritu se quedó en el Appetite for destruction, en Use your illusion, en Slash, Stradlin, McKagan, Adler, Reed y el mismo Axl, pero cuando estaban juntos; cuando de verdad eran una banda. Lo siento Axl pero para mí los Guns N' Roses solo existen en el recuerdo, te recomendaría que le cambies el nombre a tu nueva banda.

Ellos sí son asesinos

Day & Age, el tercer álbum de estudio de la banda de rock originaria de Las Vegas, The Killers, ya salió a la venta hace un tiempo y ha recibido críticas favorables y no tan favorables. La Rolling Stone la califica con 3 estrellas y media sobre 5 y la conocida NME con 7 sobre 10. Pero las críticas más duras no vienen de parte de revistas, por el contrario, estas vienen de sus propios seguidores, muchos de los cuales van perdiendo ese fanatismo religioso que le tenían a la agrupación. Desde su debut con el álbum Hot Fuss, los Killers han ido calando hondo en los oídos de los melómanos y de los que no lo son tanto, dando una buena demostración de rock como pocas bandas saben hacer. Cortes como On Top o Somebody Told Me se destacan en este material por la combinación de sonidos que armonizan perfectamente; cada instrumento tiene su lugar. Luego, con la aparición del Sam's Town, los Killers fueron descendiendo del limbo donde habían sido colocados, pues en este nuevo disco deciden distanciarse un poco de su lado mas rockero para pasar a una producción más detallada y a canciones más elaboradas, donde todas estas confluyen de una manera exacta, dejando la impresión de que no se trata de un disco, sino de una sola canción, una canción magistral. Pero los fanáticos vieron esto con malos ojos, pues querían más y más del rock mostrado antes. Brandon Flowers, el vocalista, declaró que este álbum es incluso mejor que el anterior, solo que la gente no lo comprende así. En lo que a mí respecta, concuerdo con él; el Sam's Town me parece mejor. Pasando por el disco de rarezas Sawdust, vendría un giro radical en sus composiciones... Se trata del Day & Age. Este álbum sería el más experimental de la banda, donde sus integrantes no buscan ser pegadizos o agradarle a todo el mundo, solo buscan hacer lo que ellos saben hacer: música. En palabras que Brandon Flowers dio para la revista Rolling Stone: ”Aprendimos que no podemos complacer a todos. Pero tenemos fe en lo que hacemos, fe en nuestros fans y fe en lo que vendrá”. Y es que una banda no debe hacer música para agradar a cuanta más gente pueda a fin de lucrar más. Sacar una canción tras otra, un disco tras otro como si fuera pan caliente, todos clones del anterior, es el ejemplo perfecto de lo que una banda no debe hacer, y los Killers apostaron por algo innovador sin perder su esencia. Con este disco los Killers demostraron que pueden ser exitosos y hacer buena música sin dejarse dominar por las críticas en contra. Con saxofones, sintetizadores, canciones largas o cortas, con guitarras o sin ellas, rockeros o experimentales, ellos sí se atreven a hacer buena música.